Domenico Pinelli, giovane attore di successo e regista alla sua prima vera esperienza, porta in scena al teatro Acacia di Napoli, insieme a Mario Autore e Anna Ferraioli Ravel, “Ditegli sempre di sì”, una commedia dalle molteplici faccettature, complessa a tratti, divertente e profonda, in un allestimento scenografico moderno ed innovativo che prende luce dalla lettura attenta delle varie stesure che la commedia ha visto prendere luce a partire dal 1927.

La follia è la protagonista assoluta della commedia, Michele Murri, interpretato da Domenico Pinelli, è l’innocenza, è l’ingiustizia dei non accettati, è la saggezza e la concretezza di chi vede le cose per quelle che sono, senza filtri, senza i paletti delle convenzioni e moralismi sociali che decidono quello che è giusto e quello che non lo è. Il manicomio non lo guarisce, o meglio non lo riporta in quello schema sociale, dove invece vivono, protetti i membri della sua famiglia ed i suoi amici. In questo scontro continuo tra mondo onirico, fiabesco e senza confini ed il mondo concreto della morale sociale si dipana la storia tragicomica familiare di uno di noi, di chiunque oggi come allora si trova a doversi confrontare con il mistero della follia e tutte le sue imprevedibili conseguenze.

Gli attori si muovono bene sul palco, la recitazione è fluida, veloce, incalzante, dando allo spettatore la giusta dose di tensione emotiva che lo sollecita continuamente a riflettere su quanto accade in scena, che altro non è che il palcoscenico della vita.

Il ritmo sostentuto, sottolinea bene il divario tra la pazzia e la normalità, due condizioni dell’essere umano che convivono sotto lo stesso tetto, negandosi a vicenda per sopravvivere. Si salvi chi può, sembrano gridate tutti i personaggi della commedia, un grido di aiuto che vola lontano e che ancora oggi non è ascoltato. Eduardo è grande proprio per questo, perché non ha tempo, i suoi personaggi, le loro storie, sono attualissime ed ancora oggi ci fanno riflettere.

Lo spettacolo volge al termine, i personaggi si svelano tra la paura e l’amara realtà, il tutto unito dal forte legame familiare ed affettivo che l’essere umano non deve mai perdere di vista.

Napoli, 3 febbraio 2026

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Nell’anticipo del sabato della 17^ giornata di Serie A, il Grifone cerca conferme contro un Napoli che prova a mettere pressioni alle dirette concorrenti: allo stadio Luigi Ferraris, è Genoa – Napoli. Il match termina con il risultato di 1-2: nella prima frazione, i partenopei conducono grazie alle reti di Anguissa e Rrhamani; nella ripresa Pinamonti riesce solamente ad accorciare le distanze.

Highlights
Partenza sprint degli azzurri che spaventano immediatamente i genoani con la traversa di Lukaku su colpo di testa. Il vantaggio azzurro nasce dalla sinistra dove Neres trova il cross per l’inserimento di Anguissa, che di testa sigla lo 0-1. Anche il raddoppio dei partenopei è con un’incornata: Rrhamani colpisce sulla punizione di Lobotka. Nel secondo tempo, il copione viene completamente stravolto e il Genoa si mostra pericoloso già dopo 50″ con il tentativo di Pinamonti, che necessita di un grande intervento di Meret. Su un recupero palla alto del Genoa, Vitinha trova Pinamonti al centro dell’area per firmare la rete dell’1-2. Ancora Meret decisivo sul colpo di testa a corto raggio di Badelj in inserimento. Per guadagnare il pari, il Genoa tenta la carta Balotelli, che sfiora la marcatura in due occasioni, una volta negata dal palo e l’altra dall’ennesima parata del portiere azzurro.

Il punto Della Pietra
Genoa – Napoli è una sfida che lascia molti interrogativi su quello che sarà il destino delle due squadre in base alle prestazioni altalenanti nelle due frazioni di gioco: primo tempo di dominio assoluto azzurro, mentre nella ripresa il Grifone ritorna in gara e rischia di acciuffare il pari. Ma andiamo per gradi: mister Antonio Conte schiera il suo canonico 4-3-3 fluido con Neres confermatissimo al posto di un acciaccato Kvaratskhelia, ritrovato almeno per la panchina. In questa versione genovese, nello scacchiere azzurro McTominay agisce più da centrocampista rispetto ad altre circostanze lasciando gli inserimenti ad Anguissa sul fronte opposto. Il Genoa risponde con un 4-2-3-1 molto difensivo, con Vitinha sull’esterno sinistro bilanciato da Zanoli a destra e Miretti a completare la trequarti, alle spalle dell’unica punta Pinamonti.
Il canovaccio della prima frazione è molto chiaro: il Grifone aspetta basso, lascia il possesso al Napoli che con azioni manovrate prova a scalfire il muro alzato dal tecnico Vieira. I movimenti dei terzini – Di Lorenzo ed Oliviera – che vengono dentro al campo mandano in tilt l’uscita in pressione dei rossoblù che sembrano essere sempre un passo indietro. Così il Napoli sfiora più volte la rete del vantaggio fino a trovarla con un inserimento di Anguissa premiato dal cross al contagiri di David Neres. Gli azzurri trovano anche il raddoppio su un calcio piazzato grazie alla testata di Rrhamani. Primo tempo di grande carattere e qualità del Napoli, che mette in gioco la versione migliore di se stesso in questa stagione. Peccato che però la gara duri 90′. Infatti, nella seconda frazione, il Genoa, costretto anche dalle due reti di svantaggio, alza il pressing costringendo i partenopei a giocare lungo su Lukaku e gli azzurri non prendono quasi mai il rischio della giocata palla a terra riducendo di molto la qualità vista nella prima metà di partita. Il Grifone rientra in gara grazie a qualche occasione da gol su cui Meret compie grandi interventi, ma che sono solo il preludio alla rete di Pinamonti, che di fatto riapre il match. Coach Vieira prova ad innalzare il forcing offensivo anche con qualche cambio, inserendo Super Mario Balotelli, che sfiora il pari in due occasioni, ma il match termina con la vittoria dei partenopei a Marassi per 1-2.
Il Genoa, dopo un inizio disastroso, è riuscito a rimettere in piedi il suo campionato e, a cavallo dell’avvicendamento in panchina, ha ottenuto una striscia di 6 risultati utili consecutivi, interrotta solo dal Napoli, che ricercava la vetta. Male l’approccio rinunciatario della prima frazione, ottima la reazione nella ripresa, tanto da sfiorare il colpaccio in una partita che sembrava essere scivolata via.
In casa Napoli, la migliore versione di queste prime 17 giornate aveva fatto pensare ad una vittoria tranquilla e dilagante, ma il preoccupante calo di tensione della ripresa ha rimesso tutto in discussione. Forte tirata di orecchie da parte di mister Conte alla sua truppa, che non accetta abbassamenti di qualità così ampi. Le note positive della partita sono la prestazione della prima frazione che mostra i margini di miglioramento del Napoli, e la sontuosa gara di Alex Meret, mettendo sotto gli occhi di tutti ancora una volta che i partenopei hanno un grande portiere su cui fare affidamento.

Pagelle
Meret 7.5: Ci risiamo: il Napoli si aggrappa alle spalle di Alex, e lui risponde con 3 parate da numero uno di alto livello: prima su Pinamonti, poi sul colpo di testa a corto raggio di Badelj e infine sul tiro-cross di Balotelli. Tre punti che portano la sua inequivocabile firma. MVP.
Anguissa 7: Con le mansioni diverse di McTominay, Frank Zambo ha più spazio di inserimento e ne approfitta con una rete. Qualche buona giocata e qualche recupero sontuoso guarniscono una grande prestazione.
Balotelli 6.5: Entra e si associa al forcing rossoblù. Si muove dietro Pinamonti e infastidisce la retroguardia partenopea. I secondi a Marassi rallentano sul suo palo.

Arbitro
La Penna 6.5: Partita diretta con personalità: corretta la gestione dei falli. Leggera l’ammonizione su Sabelli per fallo su Lobotka, con diversi uomini a protezione, lontano dalla porta e con nessuna possibilità di essere pericoloso. Corretti i gialli a Frendrup e Juan Jesus. Sulle reti azzurre, ben coadiuvato dal VAR. Giusto l’annullamento della possibile terza rete partenopea di McTominay per l’offside di Politano.

Nola, 22 dicembre 2024

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Race, milieu, moment. Ovvero: fattore ereditario, ambiente sociale e momento storico. Se tuo padre è uno dei più grandi cantautori mai nati in Italia (anzi, diciamolo pure: nel mondo) e l’aria che hai respirato in famiglia sin da bambino ha il sapore dolce della poesia e l’odore elettrizzante dei più vasti orizzonti musicali… prendere in mano uno strumento e tradurre in versi i pensieri ti sarà parso, a un certo punto, naturale, come mettere un piede davanti all’altro per camminare. Me lo immagino così il fiorire dell’amore per la musica di Cristiano De André, primogenito di colui che non serve neanche nominare.

“Dietro la porta di casa mia
c’è la polvere dei miei ritorni della mia strada
c’è l’ombra della mia anima
sempre attenta ovunque vada”

Il giovane Cristiano De André

Le prime corde di una chitarra sfiorate a undici anni, il Conservatorio Paganini della sua Genova e il violino, il primo singolo a vent’anni con i Tempi Duri. L’esordio solista a ventitré e la buona accoglienza di Bella Più di Me a Sanremo, quel palco sul quale il padre non volle mai metter piede e che lui, invece, calcò più volte, portandosi a casa soddisfazioni, apprezzamenti e premi, come nel ’93 con l’intensa Dietro la Porta.

Già dai primi anni ’80, insieme ai Tempi Duri, accompagnò il padre Fabrizio in alcune tournée. Fino agli ultimi anni, a partire soprattutto dal ’97, per il tour di Anime Salve (“quando ci riabbracciammo come se nulla fosse accaduto”) e per il successivo Mi Innamoravo di Tutto, ormai arrangiatore e polistrumentista di prima fila.

Il milieu di Cristiano gli ha permesso di incrociare il proprio percorso artistico con grandi musicisti, da Finardi a Oliviero Malaspina, Daniele Fossati e molti altri. Certo, i tempi in cui dal cantautore “si pretendevano” l’impegno, l’opinione e la presa di posizione erano ormai passati (e qui veniamo al terzo elemento: il momento storico), ma la sua scrittura si è sempre distinta per una certa delicata ricercatezza, un voler sistematicamente fuggire da vocabolari troppo usuali e poveri, un frequente stimolo a propendere per una parola che non è quella lì proprio davanti a te, ma quella che te la devi andare un po’ a cercare e qualche volta anche un po’ inventare. Musicalmente, di tanto in tanto, si è sentito a proprio agio con sonorità tendenti al rock, o comunque un po’ più dure rispetto, ad esempio, a quelle scelte dal genitore.

“Tito non sei figlio di Dio, ma figlio dell’uomo…” e gli inutili confronti

Troppo spesso e con superficiale disinvoltura, quando si è di fronte ai figli dei cosiddetti “mostri sacri” che decidono di intraprendere la professione del genitore (nel frattempo assurto a intoccabile Dio pagano), la sentenza della “sacra voce del popolo” si abbatte su anni di studio, dedizione e genuina passione, come la più inacidita delle Mara Maionchi, proferendo brutalmente il suo “Per me è NO!”. Perché, è ovvio: se sei il figlio di Gassman meglio che punti alla carriera in magistratura, se tuo padre è Fabrizio De André… non sarai mica scemo? Davvero vuoi metterti a fare il cantautore?

Parliamoci chiaro: Cristiano De André non è Fabrizio De André (nonostante l’impressionante somiglianza nella voce, oltre che nell’aspetto). E francamente non si capisce perché dovrebbe essere altrimenti, né è chiaro il motivo per il quale, un ragazzo nato e cresciuto con la musica fuori e dentro al cuore avrebbe dovuto rinunciare ad essa solo per evitare un inutile confronto con l’enormità della figura paterna. Cristiano de André fa la sua musica, pur amando e conoscendo meglio di chiunque altro quella di suo padre, che pure spesso ha portato a teatro, con risultati straordinari e soprattutto recanti la propria firma, la propria genuina personalità.

È pur vero che gli ci vollero dieci anni, dopo la scomparsa del Faber, per trovare il coraggio e la forza di tornare a suonare in pubblico le sue canzoni: nel 2009 ottenne un grande successo il tour De André canta De André. Dopo altri dieci anni, nel 2019, ha calcato nuovamente i palchi dei teatri d’Italia con il tour Storia di un Impiegato, in una personale rilettura, con note spesso più rock, di un album che vide la luce nel ’73 ma che appare sempre più attuale.

Nel nome del padre

“Un giorno ci diedero un tema in classe, la traccia era “Parla di tuo padre”. E io scrissi: “Mio padre dorme. Punto.”

Nel 2016 Cristiano ha pubblicato La Versione di C., il suo “fare i conti con sé stesso”, che ha significato concludere quel processo di apprendimento, durato una vita intera, dell’unico strumento che, da polistrumentista, ha sempre utilizzato con fatica: il perdono. C’è stato da perdonare un padre, il più delle volte assente fisicamente o con lo spirito: “ti ho visto troppo spesso di spalle, che te ne andavi, oppure di fronte, mentre ti mutavano gli occhi e quasi facevi paura”. Un padre al quale avrebbe voluto dire che ogni volta che erano stati insieme a pescare, aveva sperato di prendere un grosso dentice per avvertire il suo orgoglio (e quanto aveva sentito il bisogno, Fabrizio, di avvertire l’orgoglio di suo padre Giuseppe?).

C’è stato da perdonare sé stesso, in quanto figlio arrabbiato e poi a sua volta padre che “chiudeva le porte e spariva”. Ha dovuto accettare la responsabilità di farsi comprendere da coloro che ha ferito, prima dell’assoluzione. Probabilmente arrivando infine alla stessa paterna conclusione, quella di trovare “ben poco merito nella virtù e ben poca colpa nell’errore”. E dunque “benvenuto sia anche l’errore”.

Cristiano ha parlato al padre, dopo troppi silenzi, in “una lettera che avresti voluto consegnare in mano al destinatario, magari guardandolo negli occhi, o pulendoti le lacrime.” Ha compreso che mettersi di fronte a suo padre è stato osservare sé stesso allo specchio, e che era arrivato il tempo di perdonare entrambi.

“Mi guardo allo specchio e ti rivedo ancora, nel riflesso prego che si aggiungano i volti dei miei figli, con i sorrisi genuini e l’armonia pulsante. Hai presente? Come un tempo.”

Napoli, 23 maggio 2024

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Premessa: chi scrive.. a Lucianone vuole un sacco bene. Perché lui c’era quando le giornate si dividevano tra la scuola, le prove a danza, gli amici del liceo e le prime cotte. Insomma, in quell’incasinatissimo periodo che è l’adolescenza, che poi, a pensarci bene, con le cose che si hanno in testa dopo i trent’anni… poi tanto incasinato non era, o meglio: “ridatemi quei casini là, che li preferisco a questi qua!”. Ad ogni modo Ligabue c’era, con le sue collanine da indio e lo stile da rocker dell’Emilia-Romagna. Era là con la sua chitarra e tutta la sua galleria di matti, ubriaconi, scemi del villaggio, eterni ultimi, sempre fuori tempo ma anche imperterriti sognatori. E le sue donne, tutte le donne che erano e sono la sua parte preferita dell’universo. E quante volte li hai rivisti come fossero vecchi amici, cantando a squarciagola in mezzo alla folla di un suo concerto!

Perciò, anche se adesso hai più del doppio degli anni di quando ti accompagnava a scuola intrufolato nel tuo walkman e un po’ l’hai perso di vista, il Liga rimane il tuo compagno di banco e di giornate di quelle con tutta la vita davanti. E quell’amico là… il suo bel pezzettino del tuo cuore ce l’avrà sempre. È stato difficilissimo selezionare solo 10 brani, sono rimaste fuori un sacco di cose belle…

1. Balliamo sul Mondo – 1990

“Siamo della stessa pasta, bionda, non la bevo sai, ce l’hai scritto che la vita non ti viene come vuoi”. Come a dire: mettiamo subito in chiaro le cose: la vita non gira benissimo e so che non è così solo per me, io i miei simili li riconosco. Questo però non significa che non bisogna continuare a provarci, quindi, visto che siamo in ballo… balliamo! Non avrebbe potuto presentarsi meglio il Liga. Primo brano dell’album di debutto chiamato semplicemente Ligabue. Quasi un manifesto programmatico della dimensione nella quale si muoverà da quel momento in avanti il rocker di Correggio. Uno dei pezzi preferiti dai fan ancora oggi e attesissimo ai concerti, una canzone fatta apposta per scaricare l’adrenalina, come sarà l’altro superclassico Urlando contro il cielo.

2. Non è Tempo per Noi – 1990

Ancora dall’album d’esordio, per definire meglio i tratti di “quelli come noi”, sempre un po’ fuori posto, con le spalle piene di errori, sempre un po’ irrequieti, sempre fuori tempo. Ma sempre e comunque degli ostinati sognatori. La dimensione comune a tutti i personaggi che popoleranno i brani di Luciano, da Walter il Mago a I Duri Hanno due Cuori, fino a Dove fermano i Treni e Piccola Città Eterna. Un andamento country per un grande classico.

3. Libera Nos a Malo – 1991

“Oh, mama, m’hanno creato tutto sbagliato. Oh, mama, però non riesco a capire il mio peccato.” Dal secondo album Lambrusco Coltelli Rose & Popcorn. Ligabue adotta un punto di vista ironico e scherzoso per affrontare il difficile rapporto con la libera sessualità che può sperimentare un cattolico, con il peso dell’originario senso di colpa che viene spesso indotto. Esce come primo singolo e l’intro semigregoriano è cantato dal Coro Monte Cusna.

4. Leggero – 1995

Buon Compleanno Elvis è l’album del successo travolgente, quello di Certe Notti, Hai un Momento Dio? e Vivo morto o X, per intenderci… Il brano chiude il disco con la sensazione che si prova nei momenti in cui si riesce a sentire un po’ meno il peso delle cose della vita. Un attimo di sospensione in cui si spinge il tasto pausa per godersi una tregua momentanea. Per Liga ha quasi il sapore di un promemoria di come vuole e deve provare a sentirsi sempre: “leggero, nel vestito migliore, sulla testa un po’ di sole ed in bocca una canzone.”

5. Quella Che Non Sei – 1995

Uno dei tanti brani che Luciano dedica all’universo femminile e alle sue mille sfumature e complessità. Un uomo che vede dall’esterno le difficoltà di una donna ad accettare sé stessa per quella che è, ma desidera farle sapere che a lui va bene così com’è, con la sua storia, e sarà sempre là per lei. “Quella che non sei non sei, ma io sono qua e se ti basterà, quella che non sei non sarai, a me basterà.”

6. Tra Palco e Realtà – 1997

Uno dei due inediti di Su e Giù da un Palco, primo disco live di Ligabue (l’altro inedito è Il Giorno di Dolore che Uno ha). Il testo parla da sé. È un’analisi molto lucida e precisa di quello che significa essere un cantante che ha raggiunto una certa soglia di popolarità. Sempre sotto i riflettori e continuamente col dito puntato di chi non aspetta altro che un passo falso e ha la presunzione di raccontare chi sei. Tema trattato in maniera leggermente diversa anche in Questa è la mia Vita.

7. Eri Bellissima – 2002

Da Fuori Come Va, un pezzo che sembra quasi chiudere il cerchio con Piccola Stella Senza Cielo. Se la protagonista del brano presente nel primo disco di Liga era una giovane ragazza ingenua e fragile, la donna di Eri Bellissima abita i ricordi di giovinezza di Luciano che, arrivato ad un’età matura, le chiede se è riuscita a tenere intatti i suoi sogni o se qualcosa si è perso per strada, nel viaggio della vita… insomma “adesso dimmi com’è andata?”.

8. Lettera a G – 2005

Una delle canzoni in cui Luciano mette maggiormente a nudo i propri sentimenti. Una dedica a Gianni, il cugino scomparso dopo una lunga malattia. Un brano col quale il rocker cerca di metabolizzare il dolore della perdita di quello che per lui era in realtà un fratello col quale aveva condiviso giochi, speranze, passioni e progetti. Il picco emotivo più profondo e intenso dell’album Nome e Cognome.

9. I Campi in Aprile – 2015

Giro del Mondo è il live che nasce dopo il successo del tour di Mondovisione e I Campi in Aprile è uno degli inediti. È dedicata ad un partigiano di nome Luciano Tondelli, di cui Luciano non sa nulla se non che è morto a 19 anni, solo dieci giorni prima del 25 aprile del ’45. Facendo jogging, il cantante si è imbattuto nella sua lapide e ha voluto provare ad immaginarne la storia.

10. La Ragazza dei tuoi Sogni – 2020

Singolo di lancio di 7 (per chi conosce il rocker di Correggio… un numero ricorrente), l’album di Luciano che arriva a trent’anni dal debutto. Ancora una volta Liga canta l’altra metà del cielo con il suo approccio appassionato di chi sa di trovarsi di fronte ad un universo che resterà sempre in parte un mistero… e va bene così. In questo caso il ritratto è quello di una donna che in realtà non ha ancora trovato, e tutto sommato, è un bene perché può continuare a godersi la ricerca: “la ragazza dei tuoi sogni, finché resta nei tuoi sogni puoi cercare ancora in giro.”

Napoli, 23 aprile 2024

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di Emanuela Cristo

“Salve, sono Johnny Cash!”. Era in questo modo che l’uomo in nero iniziava i suoi concerti. In maniera semplice e autentica. Così come autentica è stata la sua esistenza, dai campi di cotone dell’Arkansas alle Hall of Fame. Un’esistenza da ribelle, fuori dal coro, costellata da cadute e risalite. Sempre sulla propria strada, percorrendo un viaggio attraverso l’America e dentro sé stesso.

Johnny Cash è uno dei pochi artisti ad aver venduto più di novanta milioni di dischi ed è presente in tre diverse Hall of Fame (Country, Rock ‘n’ Roll e Gospel). Una figura trasversale che è riuscita a diventare faro di riferimento per la cultura americana e mondiale.

Million Dollar Quartet

Chi di noi appassionati di musica non avrebbe desiderato essere una mosca per intrufolarsi il pomeriggio del 4 dicembre del 1956 negli studi della Sun Records di Memphis in Tennessee? Quel giorno, per fortunate congiunzioni astrali, si ritrovarono insieme nelle stanze della piccola casa discografica Jerry Lee Lewis, Carl Perkins, Johnny Cash. La Jam Session che ne nacque fu prontamente registrata da Sam Philips, proprietario dell’etichetta, e pubblicata anni dopo col nome di Million Dollar Quartet.
Presley, già allaRCA, era passato per un saluto, mentre Cash, appassionato di Hank Williams, aveva firmato il suo primo contratto con la Sun nel ’55, poco tempo dopo il ritorno dal servizio militare in Germania dove aveva comprato la sua prima chitarra per 25 marchi. Il singolo d’esordio di Johnny Cash and the Tennessee Two fu Hey! Porter / Cry Cry Cry,poco dopo seguì la prima Hit: I Walk The Line, un omaggio alla moglie Vivian ma anche un velato messaggio a Dio, visto che Philips non voleva che incidesse canzoni spirituali.

Gli esordi, il successo e l’inizio delle dipendenze

L’album d’esordio arrivò nel ’57. Johnny Cash With his Hot and Blue Guitar segnò il debutto di un cantastorie che sarebbe diventato la voce di chi lavora, ama e prega. Il Johnny Cash Show fu l’estenuante tour che portò Cash in tutto il Midwest, allontanandolo dalla famiglia e iniziandolo all’uso di alcol e anfetamine, che lo vedrà per buona parte della vita intrappolato in un abisso dal quale tenterà più volte di riemergere. Ride This Train (’60) e Ring Of fire: The Best of Johnny Cash (’63) mostrarono e confermarono il grande talento e la versatilità dell’artista nel raccontare la realtà americana. Dal country degli anni ’50, la musica di Cash trovò evoluzione nel decennio successivo in una dimensione folk, ispirata dall’astro nascente Bob Dylan, dai mutamenti introdotti dal Rock ‘n’ Roll e dall’interesse del cantante a raccontare le storie di dolore e sofferenza di “altri americani” ancora più dimenticati: in Bitter Tears: Ballads of the American Indian l’autore narra le lacrime dei nativi americani.

Verso la metà del decennio Cash attraversò un periodo di profonda depressione legata all’abuso di anfetamine e trascorse lunghi periodi da solo nel deserto o in ranch semiabbandonati. Il frutto di questi suoi viaggi solitari e delle sue meditazioni interiori germogliò, mostrando tutto il suo tormento, in Johnny Cash Sings The Ballads of the True West. Nel ’67, in coppia con June Carter, ottenne un grande successo col brano e l’album Carryn’ On With Johnny Cash and June Carter.

I concerti nelle prigioni e il sentimento d’empatia con i reietti della società.

Ma fu il 1968 l’anno che vide Cash prodursi in una delle sue più sentite e coinvolgenti performance. Il 13 gennaio si esibì nella sala da pranzo della prigione di Folsom, in California. Con tutta probabilità Cash era l’unico artista a risultare coerente in un posto del genere, perché raccontava le storie dei carcerati, i suoi testi erano veri nella loro tragicità: parlavano di droghe che aiutavano a sopportare la perdita della libertà (Cocaine Blues), delle afflizioni umane (Greystone Chapel). “I shot a man in Reno, just to watch him die”: At Folsom Prison divenne un album pietra miliare nella storia della musica, bruciante passione su disco di un uomo in fiamme.

Nel ’69, nel carcere di San Quentin, Cash replicò l’esperienza dichiarando di voler accontentare solo le richieste di “chi non vede l’alba da troppo tempo”. Fu anche l’anno del Johnny Cash Show in tv sulla , che registrò uno strepistoso successo, grazie ad una musica nuova che parlava d’amore, di omicidi e di fuorilegge., agli inizi degli anni ’70, era ormai una bandiera nazionale che riusciva ad incrociare i favori di strati di società eterogenei: dai ribelli e i carcerati, ai cristiani, agli amanti del country e del rock. Un uomo sempre pronto a schierarsi dalla parte degli emarginati e degli oppressi. Divenne iconica la sua abitudine a vestirsi sempre di nero che gli fece guadagnare l’appellativo di Man In Black.

“Vesto di nero per la povera gente e per gli sconfitti, che vivono nelle zone affamate e senza speranza della città. Vesto di nero per il prigioniero che ha pagato a lungo per il suo crimine, ma è lì perché è una vittima dei tempi… Ah, mi piacerebbe indossare un arcobaleno ogni giorno e dire al mondo che tutto va bene, ma proverò a sopportare il buio sulla schiena, finché le cose non diventeranno più lucenti, sarò l’Uomo in Nero”.

Le fasi alterne della carriera e la rinascita degli ultimi anni

La fine degli anni ’70 però registrò un declino nella carriera di Cash, nuovamente imbrigliato in una spirale di dipendenza dopo qualche anno di disintossicazione. Seguirono molti album, fra raccolte che non aggiungevano nulla alla sua produzione e dischi che invece portavano in sé tracce più veritiere e sentite dell’uomo. Nel 1980 divenne l’artista più giovane ad entrare nella Country Music Hall of Fame ma la sua energia creativa sembrava esaurita. Gli splendori degli inizi della carriera tornarono nell’ultimo decennio del secolo, sotto la produzione di Rick Rubin, con gli album American. Nel ’92 Cash entrò anche nella Rock and Roll Hall of Fame.
American IV: The Man Comes Around fu l’ultimo disco pubblicato da Cash in vita, in cui risaltavano la title track, uno degli ultimi brani scritti dall’artista, riflessione di un uomo alla fine della propria esistenza, e le cover di Hurt dei Nine Inch Nails, Personal Jesus dei Depeche Mode,Bridge Over Troubled Water di Simon and Gurfunkel, In My Life Lennon, tutte rese più tristi dalla voce dell’uomo in nero che sta per pagare il proprio conto alla vita.

June Carter, l’unico rifugio dalle tempeste della vita; Johnny Cash morì settantunenne il 12 settembre del 2003, quattro mesi dopo il grande amore della sua vita, June Carter. Le aveva chiesto di sposarlo decine di volte; l’ultima, quella in cui la donna decise di vincere le proprie paure, fu sul palco a London in Canada, nel mezzo dell’esecuzione di. La loro fu una storia travagliata, di dolore, clandestinità degli inizi, quando entrambi viaggiavano insieme in tour ma erano sposati con altre persone. Il forte legame fra loro li rese capaci di affrontare ogni ostacolo, ogni abisso profondo di depressione e sofferenza. June fu l’ancora di salvezza alla quale Johnny si aggrappò per l’intera sua esistenza.

Un’esistenza segnata fin da bambino dalla tragica morte dell’adorato fratello Jack : un dolore che non abbandonò mai l’animo dell’artista e che minò per lungo tempo il suo rapporto col padre, che lo riteneva in qualche modo responsabile del fatale incidente.

June fu la donna che tentò più volte di rinsaldare il legame di Cash con la fede. Un rapporto contraddittorio e controverso. Sempre cercato dall’uomo, ma segnato da promesse sempre disattese, per la vita sregolata che condusse per anni, tra dipendenze e arresti per possesso di droghe. La musica Gospel fu una costante. Anche se, spesso, erano i momenti in cui si allontanava dalla fede quelli in cui Cash dava le prove più autentiche nella sua musica, come in I Would Like To See You Again del ’78. L’amore fra Johnny e June li tenne mano nella mano fino alla fine delle loro vite, che attraversarono salvandosi a vicenda, rappresentando l’uno per l’altra l’unico rifugio dalle tempeste.

L’autentica voce dell’America

La carriera di Johnny Cash ha attraversato momenti di gloria e di declino, anche a causa dell’enorme numero di pubblicazioni che le sue storiche case discografiche, Sun e Columbia, hanno immesso sul mercato in una sorta di continua competizione.

La sua vita ha attraversato lunghe crisi esistenziali che hanno influenzato la sua scrittura così come la sua voce, che nel tempo ha incassato i colpi delle pene e degli abusi. Ma tutto questo non ha fatto altro che rendere Cash un uomo autentico e sincero, disperato nel modo di raccontare il proprio paese attraverso le storie di sudore e sangue della sua gente, tra fallimenti e rinascite, perdite e redenzioni. L’autore di un’epica narrativa onesta sull’intera gamma dell’esistenza umana.

Napoli, 7 aprile 2024

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“Ama la vita che vivi, vivi la vita che ami”. Se volessimo trovare uno slogan (che per definizione è breve e tendente a semplificazione) per la vita di Rod Stewart, sarebbe sicuramente questo verso di Live Your Life, suo brano del 2013 (a onor del vero, ce l’aveva detto anche Bob Marley). Da ragazzino voleva giocare a pallone e ancora adesso il calcio è una delle sue più grandi passioni. Ma il destino ha voluto che diventasse uno degli artisti di maggior successo al mondo, vendendo oltre duecento milioni di dischi.

“Ho sempre fatto le cose per divertirmi e far divertire la gente che viene ai miei concerti.”

I Faces e la carriera solista

Si narra che il quindicenne Rod, invece di lavorare nel negozio del padre per dargli una mano, molto spesso, affiggesse un cartello con su scritto “chiuso” per rintanarsi nel retro a studiare, chitarra acustica alla mano, ogni singolo accordo del canzoniere del suo idolo Bob Dylan. Nel frattempo, abbandonata la scuola, si cimentò in molti altri lavori: dal fattorino al manovale del cimitero fino al becchino. Ma soprattutto, il giovane Rod giocava a calcio, sostenendo anche alcuni provini, che non ottennero, tuttavia, mai esiti positivi.

La passione per la musica lo portò in giro per i club di Londra a suonare con formazioni skiffle e blues. A metà degli anni ’60 entrò nel gruppo di Jeff Beck, che faceva soprattutto cover, dove conobbe quello che diventò poi l’amico di una vita e col quale entrò, in seguito, a far parte dei Faces: Ronnie Wood. Da quel momento in poi la carriera di Stewart fu tutta un crescendo, dividendosi tra la band e i lavori solisti. Nel ’75 i Faces si sciolsero. Wood entrò a far parte di una band il cui nome forse potrebbe dirci qualcosa: i Rolling Stones. Dal canto suo, Stewart proseguì il suo percorso solista e per circa due decenni i suoi album si trovarono sistematicamente ai vertici delle classifiche in tutto il mondo e il suo stile spaziò dal rock al blues ad elementi synth pop e disco.

Gli anni ’90 non furono un decennio molto prolifico dal punto di vista della scrittura per Stewart che attraversò una fase in cui sembrò aver definitivamente esaurito l’ispirazione. Si dedicò ad album in cui reinterpretò brani del canzoniere americano. Il blocco dello scrittore svanì, quasi da un momento all’altro, nei primi anni del duemila, con grande stupore del diretto interessato. Il suo ultimo album in studio è Blood Red Roses del 2018, mentre dell’anno successivo è la raccolta You’re In My Heart: Rod Stewart With The Royal Philharmonic Orchestra.

Full of Life

Prendendo in prestito il titolo di un romanzo del mai troppo elogiato John Fante, si potrebbero descrivere i primi settantasei anni di Rod Stewart su questa terra come “full of life”, pieni di vita. Il cantante ha avuto tre matrimoni e otto figli, gli ultimi due dalla moglie Penny sposata a Portofino nel 2007. È sopravvissuto ad un cancro alla tiroide e sembra aver trovato l’elisir di giovinezza per le sue ginocchia da calciatore che non ha mai appeso gli scarpini al chiodo in una vasca d’acqua ghiacciata (nei primi anni duemila ha giocato anche negli LA Exiles, una squadra composta da immigrati e celebrità di Palos Verde, in California).

Da buon inglese di origini fieramente scozzesi, ha salutato l’arrivo dell’anno nuovo con un cappello scozzese verde e il suono di una cornamusa in sottofondo. È un fan sfegatato (per usare un eufemismo) del Celtic, che segue allo stadio ogni volta che può: lui prende l’aereo e va a Glasgow! È, inoltre, un collezionista di auto (possiede un raro modello di Ferrari Enzo) e un grande appassionato di modellismo ferroviario.

Una carriera costellata di successi e riconoscimenti. Il cantante detiene, inoltre, il record per il “free concert” con il maggior numero di spettatori: i quasi 4 milioni presenti sulla spiaggia di Copacabana il 31 dicembre del 1994. Ha spesso collaborato con altri artisti di fama internazionale come Paul McCartney (Mine for Me), Bryan Adams e Sting (All for Love), Mary J. Blige (You Make Me Feel Brand New) e Stevie Wonder (My Cherie Amour), per citarne solo alcuni. Il suo timbro vocale graffiato è capace di spaziare attraverso i generi mantenendo intatto il suo carattere. La voce inconfondibile e l’acconciatura bionda, alla quale dedica una cura maniacale, sono i tratti distintivi di una star sulla cresta dell’onda da decenni.

Napoli, 19 marzo 2024

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Quella sera d’estate di circa vent’anni fa, per la finale del Festivalbar in Piazza del Plebiscito a Napoli, devo essere sincera, io c’ero andata per John Bon Jovi. Il quale, a onor del merito, camicia bianca e pantalone attillatissimo di pelle nera, non deluse le aspettative di una diciassettenne corsa via da scuola per godersi la sua esibizione dalla privilegiata postazione su di un paio di alte e possenti spalle. Tuttavia, di quella calda e intensa serata, il ricordo più nitido che porto con me è lo stupore che mi colse quando davanti ai miei occhi apparve l’esile figura di Dolores O’Riordan che, letteralmente, riempì l’enorme piazza a ridosso del lungomare, con una potentissima voce (anche se supportata in quel caso dal playback) e con movenze magnetiche.

Da adolescente cresciuta col Vangelo secondo MTV, conoscevo già bene Dolores e i suoi Cranberries, ma osservare dal vivo un corpicino da colibrì sprigionare una così forte energia equivalse per me ad assistere quasi ad un miracolo. Ancora oggi, quando ripenso a quel momento, non riesco a non pensare a lei come alla manifestazione di un dono raro che non poteva che essere espressione di un’altrettanto rara anima.

Le ferite di Dolores

Dolores è morta il 15 gennaio del 2018 a soli 46 anni, annegata nella vasca da bagno della camera 2005 dell’Hotel Hilton di Park Lane a Londra. I referti autoptici escludono il gesto volontario, imputando il tragico incidente alla notevole assunzione di alcol da parte della cantante. L’improvvisa scomparsa è stata l’ultimo atto di una parabola spesso discendente della vita della O’ Riordan, segnata da molti traumi, a partire dall’infanzia, quando per anni subì abusi da parte di un amico di famiglia. Il dolore causato da quest’evento l’ aveva poi cantato nel brano Fee Fi Fo. In seguito, si ammalò di anoressia e anni più tardi le fu diagnosticato un disturbo bipolare.

La sua passione per la musica la portò diciottenne a sostenere un provino per sostituire il cantante di una band, appena andato via. Gli altrettanto giovani membri dei Cranberry Saw Us rimasero sbalorditi dalla straordinaria voce di quello scricciolo di ragazza che, inoltre, dopo neanche una settimana, aveva già scritto il testo di quello che poi divenne uno dei loro primi successi: Linger. La fama arrivò in poco tempo ed ebbe un fortissimo impatto sulla già fragile personalità di Dolores.

Il passaggio dai piccoli locali irlandesi ai palazzetti colmi di migliaia di persone la rese paranoica. Temeva di essere osservata continuamente, ed ebbe un esaurimento nervoso. Negli anni la cantante ha cercato di tenere a bada i suoi fantasmi, che però tornavano a farsi strada in ogni momento di debolezza. La separazione, dopo vent’anni, dal marito, padre dei suoi tre figli, nel 2014, le causò ulteriore sofferenza e Dolores si rifugiò nell’alcol. Nel 2017, i Cranberries furono costretti ad annullare un tour, ufficialmente per problemi alla schiena della cantante, che in realtà stava vivendo un crollo psicologico.

Dolores O’Riordan nella musica

Quando è morta Dolores O’Riordan era a Londra per una breve session di registrazione. Perché era tornata a scrivere e sembrava entusiasta di incidere nuove canzoni. Probabilmente però, i demoni che l’avevano accompagnata per tutta la vita, erano tornati a farle visita e la sera del 15 gennaio cercò di domarli con l’alcol. Quella volta non bastò la musica a trascinarla fuori dalle tenebre, come era successo tante altre volte in passato.

La musica che era stata il suo rifugio sin da giovanissima e alla quale ogni volta si abbandonava, liberando la propria voce, dolce e potente allo stesso tempo. Una voce capace di trasformare una donna leggera come una piuma in una gigante e magnetica presenza. La stessa voce che ha avvolto le più grandi e belle piazze del mondo, in centinaia di calde sere d’estate.

Napoli, 25 agosto 2023

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Organizzato dall’associazione HMV Italia, l’evento si svolge sul cammino della campagna di Liberazione e porta in strada mezzi e uniformi di quel tempo

E’ arrivata ieri, 12 luglio, a Salerno (ore 11.30 al porto), e poi farà tappa anche a Venafro (Is) e Cassino (Fr) l’iniziativa “Le strade della Liberazione” che vede cinque Jeep d’epoca attraversare l’Italia sulle orme della Storia e della Memoria, percorrendo oltre 1600 km delle antiche strade statali italiane. Organizzato dall’associazione HMV Italia, nell’80° anniversario dello sbarco alleato in Sicilia che dette il via alla liberazione dell’Italia dal Nazifascismo, l’evento si svolge sul cammino della campagna di Liberazione da Gela a Milano ripercorso da jeep Willys dell’epoca, portando in strada i mezzi e le uniformi di quel tempo.

Il programma dopo Salerno prevede alle ore 16 una sosta al Winterline Museum Venafro; alle ore 17 al Cassino war cemetery, dove si svolgerà una cerimonia con un rappresentante dell’ambasciata della Nuova Zelanda; a seguire Polish cemetery e Abbazia.

Compagna di viaggio sarà anche la solidarietà. Alla missione è abbinata una raccolta fondi da destinare all’associazione Tommasino Bacciotti, ente benemerito impegnato nel sostenere la ricerca nel campo dell’oncologia pediatrica aiutando nel contempo le famiglie dei piccoli pazienti. Sono state realizzate 100 magliette commemorative del Raid, che saranno vendute al prezzo simbolico di 20 euro, e l’intero ricavato della vendita sarà devoluto all’associazione Tommasino Bacciotti che riceverà anche le offerte raccolte nel corso della serata di charity in stile anni ’40 organizzata per il 15 luglio dalle 21,30 nell’antica piazza di Badia a Settimo (Scandicci) unico comune della provincia di Firenze a essere liberato contemporaneamente dalle truppe dell’VIII armata britannica e dall’esercito americano.

IL CAMMINO DELLA LIBERAZIONE

Saranno 5 le Jeep storiche che dopo aver già fatto tappa in Sicilia guideranno questa emozionante staffetta fino a Milano percorrendo oltre 1600 km delle antiche strade statali italiane. Durante il percorso il convoglio sarà aperto alla partecipazione di altri collezionisti (fino a creare un ‘reparto’ da massimo dieci unità tra mezzi leggeri e motociclette in esclusiva livrea alleata o del regio esercito cobelligerante) che si uniranno in questo tributo alla storia, alla memoria, alla pace che il sacrificio di quei giovani ha garantito e garantisce ancora al mondo. Tutta l’iniziativa è stata organizzata senza scopo di lucro. L’obiettivo è creare un documentario per farne strumento di memoria.

I veicoli si fermeranno nelle località che hanno segnato il cammino della Liberazione: dopo le spiagge degli sbarchi a Gela, anche Salerno e Anzio, passando poi da Venafro e Cassino, chiavi per la liberazione di Roma. A seguire il transito da Siena, lungo le strade del Chianti, fino a Firenze per onorare i Monuments Men e i soldati neozelandesi che combatterono alle porte della città. Un focus sempre in Toscana sarà dedicato allo sfondamento della linea Gotica sull’Appennino con i bunker sul passo del Giogo e il cimitero tedesco della Futa. Poi i mezzi si fermeranno a Felonica (MN); andranno sulle tracce della ritirata tedesca all’altezza del fiume Po. Concludono il cammino le soste a Salò e Desenzano da dove il Regime pose la sua ultima sede istituzionale. L’arrivo è a Milano, al cimitero del Commonwealth di Trenno, per sancire simbolicamente la fine del cammino tenendo viva la memoria di questi fatti che non deve mai abbandonare tutti gli italiani e le giovani generazioni.

L’iniziativa ha il patrocinio del Ministero della Difesa e del Consolato Generale Usa di Firenze, della Regione Toscana, delle città Firenze, Messina, Salerno, Scandicci, Siena, il supporto del Dipartimento di Scienze politiche e internazionali dell’Università di Siena e della Commonwealth War Graves Commission. Hanno dato il loro sostegno le ambasciate del Regno Unito e della Nuova Zelanda, inviando rappresentanze nei diversi momenti di rimembranza.

HMV ITALIA- IL TEAM

L’associazione History & Military Vehicles Italia, animata da volontari, nasce nel 2011. Negli anni ha organizzato eventi nel campo della divulgazione storico cultuale legati al periodo della seconda guerra mondiale tra i più importanti e prestigiosi a livello nazionale e internazionale, collabora con associazioni, Amministrazioni, Enti militari e civili; attraverso il MUGOT (Museo Gotica di Scarperia- Firenze) è inserita nel sistema museale nazionale ‘Italy War Route’ che raccoglie i principali poli espostivi, storico-divulgativi della seconda guerra mondiale sul territorio italiano. HMV è ufficio Italiano di MVPA, la Military Vehicle, Preservation Association e Federato Asi per il territorio.

PROSSIME TAPPE DEL PERCORSO

• 12 luglio 2,30 Imbarco per Salerno

• 12 luglio SALERNO – VENAFRO – CASSINO (ore 16: sosta Winterline Museum Venafro, ore 17: Cassino war cemetery, cerimonia con rappresentante ambasciata Nuova Zelanda a seguire Polish cemetery e Abbazia)

• 13 luglio CASSINO – ANZIO – ROMA via Fondi-Terracina. Ore 11,30 sosta ad Anzio Beach Head war cemetery, presa in carico del rappresentante UK – 17 arrivo a Roma Fori Imperiali sosta e trasferimento a Fiano Romano.

• 14 luglio ROMA – SIENA (Trasferimento e arrivo dalla Targa De Monsabert a Piazza del Campo alle ore 17) via Radicofani Bagni San Filippo, Buonconvento, Monteroni d’Arbia).

• 15 luglio Siena – Firenze (via Chianti): La mattina del 15 luglio partiamo da Siena per arrivare al cimitero di San Miniato al Monte alle 9,30 per il tributo al tenente Hartt in collaborazione col comune di Firenze. Sarà presente l’assessore alla memoria Maria Federica Giuliani che deporrà una una corona a nome della città di Firenze sulla tomba.

Subito dopo l’omaggio ai monuments men continuerà con la discesa dei mezzi storici tra jeep, moto e un camion GMC verso piazza della Signoria/piazzale degli Uffizi, per ricordare il ritorno agli Uffizi delle opere d’arte trafugate dai nazisti

Alle 12 a San Michele a Torri, sulle colline di Scandicci ci sarà l’omaggio ai caduti neozelandesi sul cippo della battaglia

Alle 19 è previsto un picchetto d’onore in uniforme storica al cimitero del Commonwealth del Girone

Alle 21,30 a Badia a Settimo (Scandicci) ballo anni ’40 con raccolta fondi di beneficenza per la Fondazione Tommasino Bacciotti.

• 16 luglio FIRENZE – FELONICA (sosta al Cimitero Tedesco Futapass – La grande ritirata tedesca: il Museo Felonica e il cingolato emerso dalla secca del Po)

• 17 luglio trasferimento FELONICA – DESENZANO

• 18 luglio DESENZANO – MILANO sosta Military cemetery of the Commonwealth TRENNO e chiusura della manifestazione.

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di Martina Tafuro

L’Organizzazione mondiale della sanità (Oms) ha, di recente, pubblicato il rapporto “Microplastics in Drinking Water”, in cui invita ad attivare tutti quei meccanismi in grado di valutare, attentamente, la presenza di microplastica nelle acque che beviamo e delle loro conseguenze sul nostro organismo.

Queste sostanze, sono presenti ovunque, sia nell’acqua del rubinetto, in quella acquistata in bottiglia e in quella di sorgente, esse sono ancora poco studiate e c’è “urgente bisogno di sapere di più sul loro impatto sulla salute”.

Le microplastiche provengono dalla degradazione di oggetti e tessuti sintetici che entrano nel ciclo dell’acqua potabile, ad esempio attraverso le acque reflue o scarichi industriali, ma “anche le stesse bottiglie di plastica e i tappi possono esserne fonte”.

Comprendono una vasta gamma di materiali, con diverse composizioni chimiche (come polietilentereftalato e polipropilene), diverse forme (fibre o frammenti) e diverse dimensioni (da 5mm a meno di 1 micrometro). Si ritiene che le microplastiche superiori a 150 micrometri vengano espulse dall’organismo con la digestione e “che anche l’assorbimento di particelle più piccole sia limitato”.

Tuttavia, “l’assorbimento di nanoparticelle, può essere più elevato”, perché attraverso il sistema linfatico e il sangue possono raggiungere organi, come fegato e reni. I sistemi di trattamento delle acque reflue e potabili sono efficaci anche nella rimozione del 90% delle microplastiche ma una parte significativa della popolazione mondiale “attualmente non ne beneficia”. Oltre a favorirne quanto più possibile l’utilizzo, conclude l’Oms, è urgente “fermare l’aumento dell’inquinamento da plastica in tutto il mondo”, diminuendone l’uso e migliorandone il riciclo.

L’OMS, nel Rapporto, evidenzia i potenziali pericoli associati alle microplastiche presenti nell’acqua potabile.

Essi sono di tipo fisico, poiché collegato al loro accumulo e chimico collegato alla loro tossicità, ma vi è anche la possibilità che possano essere veicolo per l’ingestione di microbi patogeni.

Dall’esame della letteratura scientifica disponibile, sono stati individuati solo 9 studi che hanno misurato le microplastiche nell’acqua potabile e, nei singoli campioni, sono stati riportate da 0 a 10.000 particelle/L.

“In base alle informazioni limitate che abbiamo – afferma Maria Neira, direttore del Dipartimento di sanità pubblica e ambiente presso l’Oms – le microplastiche nell’acqua potabile non sembrano rappresentare un rischio per la salute ai livelli attuali. Ma abbiamo urgentemente bisogno di saperne di più”.

I dati oggi disponibili, secondo il rapporto, sono infatti “estremamente limitati”, “con pochi studi completamente affidabili”, spesso realizzati utilizzando “metodi e strumenti diversi per campionare e analizzare particelle di plastica”.

È necessario quindi, chiedono gli esperti dell’Oms, sviluppare “metodi standard per misurare la presenza e per studiarne le fonti, così come per valutarne le conseguenze sull’organismo”.

L’Oms, afferma, che è urgente “fermare l’aumento dell’inquinamento da plastica in tutto il mondo”, diminuendone l’uso e migliorandone il riciclo.

Napoli, 22 agosto 2019

Sono Martina Tafuro e ho 22 anni: laureata in Economia Aziendale alla Federico II. Scrivo per cercare di capire chi sono e dove sto andando, per dare sfogo alla mia inquietudine. Il mio desiderio più grande è quello di conoscere il mondo e i suoi meccanismi, partendo dall’indagine dei suoi più piccoli tasselli: le persone. Credo in un mondo più equo, ma sono già follemente innamorata di questo.

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Dal 21 marzo torna Goût de/Good France, la più grande manifestazione del mondo che celebra in 150 nazioni la gastronomia francese. Per la sua quinta edizione e per 4 giorni, oltre 5000 chef dei 5 continenti si apprestano a profondere il proprio impegno nella cucina sostenibile.

Quest’anno la protagonista è la Destinazione Provenza, che viene valorizzata da eventi in Francia ed a livello internazionale.

L’evento è promosso dal Ministero dell’Europa e degli Affari Esteri e da Alain Ducasse.

Dopo aver ospitato gli Stati Generali dell’Alimentazione, svoltisi a Parigi nel 2017, quest’anno la Francia guida una mobilitazione mondiale a favore dell’ambiente e della gastronomia francese.

Dal 21 marzo e per quattro giorni gli chef di tutto il mondo stanno proponendo una “cena alla francese” all’insegna della sostenibilità: ogni menù include portate che utilizzano meno grassi, zucchero e sale, nell’obiettivo di far “mangiare bene” e proteggere l’ambiente.

Sempre all’insegna di un maggiore rispetto delle risorse del pianeta, nel 2019 Goût de/Good France ha scelto di stringere un accordo con la fondazione “No More Plastic”, rappresentata da Alexandra Cousteau, che animerà la tavola rotonda “Good Impact” sulle problematiche della tutela dell’ambiente e dell’attenzione alle risorse, alla presenza di cuochi, scienziati e responsabili di aziende. Il 23 marzo l’UNESCO ospiterà un convegno sulla gastronomia e l’alimentazione sostenibile, con grandi protagonisti mondiali.

Goût de/Good France propone quest’anno un programma in versione festival, che interessa l’intero territorio e si rivolge davvero a tutti.

I partecipanti sono invitati sia a cene alla francese sia a nuove esperienze culinarie come: il “Gran Banchetto provenzale” che vede 6 chef provenzali (Gérald Passédat, Michel Portos, Sébastien Richard, Jean-André Charrial, Armand Arnal, Clément Higgins) proporre un menù in 5 tempi sul tema della cucina sostenibile e mediterranea, nell’ambito del “Village International de la Gastronomie”, un evento che si inserisce nel programma MPG 2019, Anno della gastronomia in Provenza, lanciato dal Dipartimento Bouches-du-Rhône e da Provence Tourisme; le “Esperienze del Gusto” durante le quali turisti e parigini possono scoprire una trentina di luoghi imperdibili della capitale grazie alla collaborazione dell’Ufficio del Turismo di Parigi; le “Cene Complici” del Collège Culinaire de France che vedono i produttori, punto di partenza di ogni cucina di qualità, arrivare nei ristoranti e, in sinergia con gli chef, creare un menù ricco di vitalità, interagendo con il pubblico; il “Duo di Collezionisti” che vede giovani chef e mentori insieme per una cena, per raccontare la trasmissione di gesti, di valori e di savoir-faire; il “Gran Menù” che, come nelle cene d’Epicuro di Escoffier, propone in grandi luoghi della gastronomia francese un menù degustazione da 4 a 10 piatti, in perfetto abbinamento con una selezione di vini e liquori. Fino al 24 marzo sono previsti diversi appuntamenti popolari e di festa per tutta la Francia, coordinati dal Ministero dell’Economia e delle Finanze. Banchetti, degustazioni, pic-nic e laboratori permettono ai professionisti del settore di condividere con il pubblico il proprio talento, il proprio savoir-faire e il meglio del proprio territorio. Tutta la programmazione del festival Goût de/Good de France è disponibile sul sito www.france.fr/fr/campagne/gout-france-good-france e sull’applicazione MAPSTR.

Napoli, 20 marzo 2019

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Domani  15 marzo si svolgerà lo sciopero mondiale globale per chiedere che vengano applicate le norme approvate dall’ONU sul clima per salvare il pianeta. Ben 98 paesi hanno aderito alla mobilitazione che arriva dopo mesi di manifestazioni sorte dall’iniziativa di Greta Thunberg (vedi:La voce del Quartiere, 2 gennaio 2019), combattiva sedicenne svedese.

L’inquinamento generato dalle attività dell’uomo, provoca il 25 per cento delle malattie nel mondo.

E’ quanto emerge dall’allarme lanciato dall’Onu nel Rapporto Global Environment Outlook (GEO), sullo stato del pianeta. Il Global Environment Outlook è il frutto del contributo di 250 scienziati sparsi in 70 paesi che hanno lavorato al progetto per sei anni.

I ricercatori hanno messo in risalto come l’eccesso di consumi, i prodotti inquinanti e lo spreco al Nord del mondo,  portano fame, povertà e malattie al Sud. Dall’altro lato le emissioni di gas serra aumentano, il cambiamento climatico porta con se siccità e tempeste, rischiando di danneggiare le vite di miliardi di persone.

“Nel 2015, i nostri governi si sono impegnati a Parigi per proteggere il nostro futuro fornendo un percorso sicuro ben al di sotto dei 2 °C con giustizia sociale e climatica”, si legge sulla pagina Facebook di Global Climate Strike For Future. “Sono passati tre anni e il nostro futuro sembra più cupo che mai”.

Oggi l’ipotesi più plausibile è che, con gli impegni attuali, il riscaldamento arrivi a più 3°C, quando gli scienziati del clima hanno affermato che anche solo due gradi in più saranno la causa siccità, cicloni, inondazioni e un alto numero di vittime.“Tutto perché gli adulti di oggi non si preoccupano del domani. Stanno rubando il nostro futuro proprio davanti ai nostri occhi”.

In Italia sono stati organizzati oltre 115 eventi in 108 località, dimostrandosi così tra le nazioni più attive sul fronte della protesta, insieme a Stati Uniti con 117 eventi) e Germania con 141. Scenderanno in piazza anche gli studenti di Paesi come l’Uruguay, la Cina, Tanzania, Vanuatu, Cuba e Pakistan.

La mappa delle manifestazioni

I dati ci rimandano alla cruda realtà: la concentrazione di anidride carbonica ha superato la media di 410 parti per milione (ppm) il livello più alto in almeno 800.000 anni. Gli scienziati ritengono che il mondo non abbia mai vissuto un aumento dei livelli di CO2 così veloce e intenso come questo, e che restano 12 anni prima di superare 1,5 gradi, con cambiamenti in tutto l’ecosistema totalmente irreversibili. Gli studenti condividono il messaggio che è ora di affrontare la crisi climatica, alla stessa stregua di una crisi: “Abbiamo il diritto di poter vivere i nostri sogni e le nostre speranze”.

In Italia un ampio gruppo di associazioni, giornalisti, attivisti, sostengono la protesta. “Prendiamoci in mano i destini della Terra e obblighiamo i governi a seguirci”, recita l’appello comparso su Change.org.

“Sarà un evento storico, un evento per studenti e professori, un evento per famiglie, un evento pacifico e non violento. Saremo tutti uniti per il clima, si legge sulla pagina Facebook Fridays for Future Italia. Tutti uniti per garantire un futuro”.

Napoli, 14 marzo 2019

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